Diseño de cubierta: Luis Grañena, Sin título. Arcilla modelada, (2012).

Edita: Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza

Edición subvencionada por:
- Vicerrectorado de Política Científica de la Universidad de Zaragoza
- Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón
- Grupos de Investigación Consolidados del Departamento de Historia del Arte Patrimonio Artístico en Aragón y Vestigium
(cofinanciados por el Gobierno de Aragón y el Fondo Social Europeo, Programa Operativo 2007-20013)

I.S.S.N.: 0213-1498
Depósito legal: Z-2.330-87
Cometa, S. A.- Ctra. Castellón, Km. 3,400- 50013, Zaragoza


   
 

Las artes en los reinos cristianos peninsulares en tiempos del Compromiso de Caspe. A modo de introducción

Mª Carmen Lacarra Ducay y Javier Ibáñez Fernández

Materiales, técnicas y significados en torno a la arquitectura de la Corona de Aragón en tiempos del Compromiso de Caspe (1410-1412)

Arturo Zaragozá Catalán y Javier Ibáñez Fernández

Arquitectura en la Corona de Castilla en torno a 1412

Begoña Alonso Ruiz y Javier Martínez de Aguirre

La escultura del Gótico Internacional en la Corona de Aragón: los primeros años (ca. 1400-1416)

Mª Rosa Terés

La escultura en Navarra en tiempos del Compromiso de Caspe

Clara Fernández-Ladreda Aguadé

La escultura en la corona de Castilla: una polifonía de ecos

Lucía Lahoz

La pintura gótica en los antiguos reinos de Aragón y Navarra (ca. 1379-1416)

Mª Carmen Lacarra Ducay

Se embellece toda, se pinta con pintura de ángeles. Circulación de modelos y cultura pictórica en la Valencia de 1400

Matilde Miquel Juan y Amadeo Serra Desfilis

La corona en la encrucijada: corrientes pictóricas en la Corona de Castilla en tiempos del infante don Fernando de Antequera

Fernando Gutiérrez Baños

La ilustración del libro en la Corona de Aragón en tiempos del compromiso de Caspe: 1396-1420

Josefina Planas

La platería en la Península Ibérica en tiempos del Compromiso de Caspe

Carmen Heredia Moreno

Music and misogyny in the Crown of Aragon c. 1412

Tess Knighton

 

Pautas que rigen las composiciones decorativas del palacio taifal de la alcazaba de Balaguer (Lleida)

Bernabé Cabañero Subiza

El retablo mayor del monasterio de La Oliva (1571-1587) y la renovación de la pintura zaragozana. Nuevas precisiones documentales

Jesús Criado Mainar

Juan Luis de Musante, maestro mayor de las obras de la ciudadela de Pamplona

María Josefa Tarifa Castilla

El gremio de albañiles y carpinteros de Tarazona durante la Edad Moderna

Rebeca Carretero Calvo

La cubierta y pinturas de la iglesia de la Compañía de Jesús en la ciudad de Córdoba (Argentina)

Carlos A. Page

Arquitectos en los fogones: del theatrum machinarum a los proyectos ilustrados para una cocina económica

Carmen Abad-Zardoya

Para mayor aumento de su culto divino: donaciones testamentarias para mantenimiento y esplendor de las iglesias en el entorno murciano (1759-1808)

Elena Martínez Alcázar

Mobiliario religioso y profano en el convento de San Agustín de Manila. Un ejemplo de asimilación y sincretismo

Mª Mercedes Fernández Martín

El uso de información visual en el dibujo de imaginación

Mercedes C. Peris Medina, Carmen Lloret Ferrándiz y Rosa G. Peris Medina

Reflexiones en torno al uso y función del arte efímero: las visitas reales a Pamplona en el tránsito del siglo XIX al XX

José Javier Azanza López

El Gobierno Civil de Zaragoza y su sede institucional

Mónica Vázquez Astorga e Isabel Yeste Navarro

La experiencia estética de Isidoro Valcárcel Medina: discurso vital y producción artística en el último cuarto del siglo XX

Rosa Benéitez Andrés

Críticas al margen o al margen de la crítica. La obra de Paz Muro durante los años 60 y 70

Isabel Tejeda Martín y Lola Hinojosa Martínez

El grabado japonés Ukiyo-e de era Meiji (1868-1912) en la Colección de Arte Oriental de Federico Torralba del Museo de Zaragoza

V. David Almazán Tomás

Consideraciones sobre el papel del oboe en las Reglas y Advertencias Generales de Pablo Minguet y Irol (1752-1774)

Joseba Berrocal

José Subirá y la recuperación de la tonadilla escénica (1928-1932)

María Cáceres-Piñuel


Resumen de Tesis doctorales

 

Arte y arquitectura conventual en la Tarazona de los siglos xvii y xviii

Rebeca Carretero Calvo

 

Pablo Serrano. Una nueva figuración. Un nuevo humanismo

M.ª Carmen Rodríguez Berbel

 

El movimiento Mingei en las colecciones del Museu Etnològic de Barcelona. El caso de los Kyôdo-Gangu o juguetes populares y tradicionales
japoneses

Muriel Gómez Pradas

 
 
 

 

 

ZARAGOZÁ CATALÁN, Arturo e IBÁÑEZ FERNÁNDEZ, Javier, "Materiales, técnicas y significados en torno a la arquitectura de la Corona de Aragón en tiempos del Compromiso de Caspe (1410-1412)", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

A pesar de la difícil situación económica por la que estaban atravesando, los territorios de la Corona de Aragón experimentaron un inesperado auge constructivo entre finales del siglo XIV y los primeros años de la centuria siguiente. Además, en este periodo se difundió la técnica de las bóvedas tabicadas, se aplicaron importantes innovaciones en lo que respecta a la geometría de los sistemas de abovedamiento, se rescató la técnica del yeso estructural, y se construyeron tipos sumamente característicos, como las torres campanario de planta octogonal o los cimborrios; unas técnicas y unas tipologías que se pusieron al servicio de intenciones muy diversas, desde el espíritu imperial heredado de Federico II Hohenstaufen, hasta el deseo por recuperar la Antigüedad bíblica o mosaica, que llevaría a realizar auténticas paráfrasis del Templo de Salomón, como la capilla de San Miguel de la Seo de Zaragoza, o a seguir levantando estructuras con mayor valor simbólico que funcional —como los propios cimborrios— a modo de sinécdoque del edificio jerosolimitano.

Despite the complex economic situation the territories of the Aragonese Crown were going through, they experienced an unexpected constructive peak at the turn of the fifteenth century. Moreover, at that time, the technique of tile vaults spread and important innovations occurred in which the geometry of the vaults was respected, the technique using structural plaster was reintroduced and highly characteristic types were built, such as the bell towers with an octogonal plan or the domes; these were techniques and types serving very different objectives, ranging from the imperial spirit inherited from Frederick II of Hohenstaufen to the wish to recover the Biblical or Mosaical Antiquity, which would lead either to the construction of authentic paraphrases of Solomon’s Temple -such as San Miguel Chapel in the Seo of Zaragoza-, or to the continuation of the erection of structures with a more symbolic than functional value - uch as the typical domes- by means of a Temple’s synecdoche

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ALONSO RUIZ, Begoña y MARTÍNEZ DE AGUIRRE, Javier, "Arquitectura en la Corona de Castilla en torno a 1412", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

A finales del siglo XIV y durante las dos primeras décadas del XV se desarrolló en la Corona de Castilla una arquitectura variada en cuanto a objetivos y tipos, claramente continuista y en buena medida átona. El trabajo se centra en obras singulares llevadas a cabo en las seos de Oviedo, Murcia y Toledo, en la escasa ambición de los proyectos arquitectónicos de los primeros Trastámara, en el desarrollo de la tipología de capilla funeraria gótica o mudéjar y en algunos monasterios con desarrollo constructivo en estas fechas (Guadalupe, El Paular, La Mejorada de Olmedo, etc). En cambio, hacia 1430 se aprecia un cambio de rumbo derivado de encargos más ambiciosos (lo denotan las dimensiones y la invención de tipos que se revelarán paradigmáticos) y caracterizado por el protagonismo de arquitectos itinerantes de procedencia extranjera que exploran nuevos caminos mediante un léxico constructivo puesto al día (arcos, pináculos, decoración y tracerías, bóvedas). Obras como la Capilla del Sagrario de la catedral de Palencia, la Capilla Saldaña en Tordesillas o la de Santiago en la catedral de Toledo marcan los primeros compases de un crescendo que acabará orquestando la renovación generalizada de la época de los Reyes Católicos.

During the late XIV century and the first two decades of the XV, in the Crown of Castile was developed a varied architecture in terms of objectives and types, that was clearly continuer of the previous traditions and, to a large extent, unaccented. This paper focuses on some singular works carried out in the cathedrals of Oviedo, Murcia and Toledo, and pays attention to the low ambition of architectural projects of the first Trastámara kings, to the typology development of Gothic or Mudéjar funerary chapels and to some monasteries that had an important development at that time (Guadalupe, El Paular, La Mejorada de Olmedo, etc.). However, there was a change of direction around 1430, derived from more ambitious commissions (that is proved by the bigger dimensions and the invention of types that became paradigmatic). This change was also characterized by the prominence of itinerant architects from abroad who explored new ways through an updated architectural vocabulary (arches, pinnacles, decoration and tracery patterns, vaults). Buildings like the Sagrario Chapel in the Cathedral of Palencia, the Saldaña Chapel in Tordesillas, or the Santiago Chapel in the Cathedral of Toledo, marked the early stages of a crescendo that would eventually orchestrate the generalized renewal along the reign of Ferdinand and Isabella.

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TERÉS, Mª Rosa, "La escultura del Gótico Internacional en la Corona de Aragón: los primeros años (ca. 1400-1416)*", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

El gótico internacional tuvo en escultura una magnífica recepción en Barcelona alrededor de 1400, gracias a la obra del nuevo coro y bajo la dirección de Pere Sanglada. En aquel momento se dieron unas circunstancias muy favorables desde el punto de vista político, económico y artístico, que hicieron posible el cambio y la adopción de las nuevas modas, llegadas principalmente de las cortes septentrionales de Europa, por entonces bajo el dominio de los distintos integrantes de la Casa de Valois. La mayoría de escultores activos entonces en la Corona de Aragón fueron sensibles al cambio. Algunos fueron más hábiles en la asimilación e interpretación personal de lo nuevo. Otros, de aptitudes más discretas, se limitaron a seguir a los mejores. Pero todos ellos prepararon el camino para acceder a la culminación del estilo con Pere Joan y Guillem Sagrera.

The International Gothic sculpture had a magnificent reception in Barcelona around 1400, thanks to the work of the new choir under the direction of Pere Sanglada. At that time, very favorable circumstances took place from the political, economic and artistic point of view. These circumstances favoured the change and the adoption of the new style, coming preferably from northern courts of Europe, which were at that time under the domination of different members of the House of Valois. Most of the sculptors working in the Crown of Aragon were sensible to this change. Some of them were more skilled in the assimilation and personal interpretation of the innovations. Others, with fewer aptitudes, simply followed to the best artists. However, all of them prepared the way to reach the culmination of the style with Pere Joan and Guillem Sagrera.

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FERNÁNDEZ-LADREDA AGUADÉ, Clara, "La escultura en Navarra en tiempos del Compromiso de Caspe", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Se ofrece una panorámica de la escultura en Navarra, durante el primer cuarto del XV coincidiendo con el reinado de Carlos III, dominada por Jehan Lome y su taller. Tras pasar revista al estado de la cuestión, se trata de demostrar que Lome conoció la plástica borgoñona, concretamente las obras de Claus Sluter y Claus de Werwe, y que estuvo influenciado por ella, concluyendo que los elementos borgoñones presentes en las producciones vinculadas a él se deben al maestro y no a un colaborador. Además, a las producciones tradicionalmente relacionadas con Lome y su taller —tumbas de Carlos III, Oteiza, Garro, y sepulcros de Olite y Estella, puerta del crucero de la catedral de Pamplona y de la iglesia de San Francisco de Olite, San Sebastián de Tafalla—, se incorporan otras, desconocidas —o casi— hasta el momento: Virgen de las Buenas Nuevas, ménsulas de la catedral de Pamplona, Santiago de Olite, Virgen de Liedena y arcángel San Gabriel de Viana. Al margen del taller de Lome, se colocan las tumbas de canciller Villaespesa y de la infanta Juana.

This article offers an overview of sculpture in Navarre, during the first quarter of the XV coinciding with the reign of Carlos III, dominated by Jehan Lome and his workshop. After reviewing the state of affairs, we try to demonstrate that Lome knew the Burgundian plastic art, including works by Claus Sluter and Claus Werwe, and that he was influenced by it, concluding that the Burgundians elements present in productions related to him belong to the teacher and not to a collaborator. Apart from the traditionally related productions to Lome and his workshop —tombs of Charles III, Oteiza, Garro, and tombs of Olite and Estella, cruise door of the cathedral of Pamplona and the church of St. Francis of Olite, San Sebastian of Tafalla— we incorporate others, unknown, or almost so far: Virgin of the Good News, brackets of Pamplona cathedral, Santiago de Olite, Virgin of Liedena and archangel Gabriel of Viana. Outside the Lome workshop, are placed the tombs of Villaespesa Chancellor and the Infanta Juana.

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LAHOZ, Lucía, "La escultura en la corona de Castilla: una polifonía de ecos ", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Se apura una visión menos negativa de la producción escultórica en la Corona de Castilla. Centrada preferentemente en la catedral de Toledo donde la personalidad de sus rectores y la envergadura de sus empresas marca y condiciona el tono de la actividad artística cuya influencia se registra por todo el ámbito de la corona. Se atiende a nuevas lecturas relacionadas con la cultura visual de promotores y artistas. Se privilegia el alcance de los arzobispos que marcan y jalonan el ambiente artístico. Toda vez que se contemplan la llegada de obras a través del viaje, el regalo o la compra. En definitiva se ofrece un panorama más rico de la situación plástica. Se aborda una función precisa dentro de una estrategia de la imagen, en ese sentido el problema del Cisma y su resolución está detrás de muchas iniciativas.

A less negative view of sculpture in the Kingdom of Castile is presented, focusing principally on the cathedral of Toledo, where the personality of its rectors and the importance of their enterprises marked and conditioned the tone of artistic activity whose influence can be noted through the entire kingdom. New readings relating to the visual culture of promoters and artists are addressed, and the influence of the archbishops who marked and staked out the artistic context is highlighted, at all times taking into account the arrival of works of art through travel, as gifts or as purchases. In short, a much richer panorama of the art situation is offered. A precise function in the strategic use of imagery is also approached, and in this sense the problem of the Schism and how to solve it was behind many initiatives.

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LACARRA DUCAY, Mª Carmen, "La pintura gótica en los antiguos reinos de Aragón y Navarra (ca. 1379-1416)", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

A comienzos del siglo XV en los antiguos reinos de Aragón y de Navarra las tendencias artísticas evolucionan desde la italogótica, recibida mayoritariamente a través de la ciudad francesa de Aviñón y de Cataluña en el siglo anterior, a la del gótico internacional en la que se incorporan nuevos modelos procedentes de los Países Bajos y del centro de Europa. En Navarra, durante los reinados de Carlos II y Carlos III, de la Casa de Evreux, en Aragón durante los reinados de Pedro IV el Ceremonioso, Juan I, Martín I, y Fernando I, el papel desempeñado por el alto clero y la nobleza es determinante para el cambio que tendrá lugar en el arte de la pintura mural y sobre tabla. En Navarra se estudian los retablos de la familia Périz de Eulate para la iglesia de San Miguel arcángel de Estella y el de don Francesc de Villaespesa para su capilla en la colegiata de Santa María de Tudela. En Aragón, el retablo de la Resurrección destinado a la sala capitular del monasterio del Santo Sepulcro de Zaragoza; el retablo de la Virgen de los Ángeles de la iglesia parroquial de Longares (Zaragoza) y el retablo de los santos Lorenzo, y Prudencio y Catalina de la catedral de Tarazona, entre otros.

At the beginning of the 15th century in the old reigns of Aragon and Navarre art tendencies evolved from Italogothic, received mainly through the French city of Avignon and Catalonia in the previous century, to International Gothic, incorporating new models from the Low Countries and central Europe. In Navarre, during the reigns of Carlos II and Carlos III of the Evreux dynasty, in Aragon during the reigns of Pedro IV el Ceremonioso, Juan II, Martín I, and Fernando I, the role played by high clergy and nobility was determinant for the change occurred in mural painting and pictures on wood. This paper studies in Navarre the altarpieces of the family Périz de Eulate for the church of Saint Michael in Estella and that of don Francesc de Villaespesa for his chapel in the collegial church of Saint Mary in Tudela. In Aragon, among others, the altarpiece of the Virgin of Angels in the parish church of Longares (Zaragoza) and the altarpiece of saints Laurent, Prudentius and Catherine, for the cathedral of Tarazona.

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MIQUEL JUAN, Matilde y SERRA DESFILIS, Amadeo, "Se embellece toda, se pinta con pintura de ángeles. Circulación de modelos y cultura pictórica en la Valencia de 1400", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

El presente artículo examina el desarrollo de la pintura gótica internacional en el Reino de Valencia entre 1380 y 1420 desde un punto de vista particular. En primer lugar, se considera como se establecieron relaciones dinámicas con otros territorios ibéricos, especialmente con aquellos incluidos en la Corona de Aragón; en segundo lugar, se presta atención al papel que algunos pintores pudieron tener en el proceso, aunque no se hayan conservado en principio obras suyas, estudiando las relaciones de aprendizaje y la circulación de modelos figurativos; por último, la pintura sobre tabla de retablos es vista en un contexto más amplio, que tiene en cuenta el intercambio artístico con otros oficios y con la pintura mural.

This article examines the development of International Gothic painting in the Kingdom of Valencia between 1380 and 1420 from a particular point of view. First, it is considered how dynamic relations were established with other Iberian territories, particularly those included in the Crown of Aragon; secondly, some attention is given to the role some painters could play in this process, even though no works of them have been apparently preserved, studying closely apprenticeship relations and circulation of figurative models; finally, altarpiece painting on wood in seen in a wider context, taking account of artistic exchange with some other crafts and mural painting.

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GUTIÉRREZ BAÑOS, FERNANDO, "La corona en la encrucijada: corrientes pictóricas en la Corona de Castilla en tiempos del infante don Fernando de Antequera", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Este artículo indaga en la pintura producida en la Corona de Castilla en el periodo comprendido entre ca. 1390 y ca. 1420, época en que floreció el infante don Fernando de Antequera (1380-1416). Hijo del rey Juan I de Castilla, don Fernando de Antequera habría de convertirse en rey de Aragón en virtud del denominado “Compromiso de Caspe” (1412). Este breve periodo fue un momento crítico para el desarrollo de la pintura castellana. Experimentó entonces cambios radicales que la hicieron evolucionar rápidamente desde un estilo Gótico lineal un tanto desfasado en el contexto europeo hasta un estilo Gótico internacional conocedor de las aportaciones italianas y septentrionales. Tres ámbitos lideraron el desarrollo de la pintura castellana de este momento (todos ellos son objeto de atención): Andalucía, foco pionero en la recepción de la influencia italiana (es objeto de especial interés el mural de Nuestra Señora de la Antigua de la catedral de Sevilla); Castilla la Nueva, donde la ciudad de Toledo se mostró abierta a las primeras formulaciones del estilo gótico internacional a través de la pintura valenciana (se analiza el papel y la obra de Gherardo Starnina); y Castilla la Vieja, el ámbito más tradicional e, incluso, en ocasiones, arcaico, sujeto a distintas influencias.

This article explores the paintings produced in the Crown of Castile between c. 1390 and c. 1420, when Infante Fernando de Antequera flourished. Son of King John I of Castile, he was to become King of Aragon as a consequence of the so-called ‘Compromiso de Caspe’ (1412). This short period was a critical one for Castilian painting. It experienced radical changes which moved it quickly from a Linear Gothic style out of date in the European context into an International Gothic style, aware of the contributions of Italian and Northern painting. Three major areas lead by then the development of Castilian painting (attention is paid to them all): Andalusia, a pioneering centre in the reception of Italian influence (special interest is placed on the mural of Nuestra Señora de la Antigua of the cathedral of Seville); New Castile, where the city of Toledo was ready to receive the first formulations of International Gothic style through Valencian painting (interest is given to the role and work of Gherardo Starnina); Old Castile, the most traditional and sometimes even archaic region, subject to diverse influences.

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PLANAS, Josefina, "La ilustración del libro en la Corona de Aragón en tiempos del compromiso de Caspe: 1396-1420", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Con este estudio pretendemos analizar la ilustración del libro en la Corona de Aragón, durante el último decenio del siglo XIV y los primeros años del siguiente, en una fase previa al Compromiso de Caspe. Este período coincide con la recepción y asimilación de las nuevas aportaciones del Gótico internacional, generadas en las cortes del Norte de Francia y en la ciudad papal de Aviñón. La presencia de artistas de la categoría de Rafael Destorrents o del supuesto Juan Melec, junto a otros anónimos, entre los que se identifica algún miniaturista foráneo, y de ambiciosas obras de las características del Breviario del rey Martín, dieron como resultado la ilustración de un conjunto de manuscritos de lujo equiparables, en cuanto a calidad, a los que se estaban elaborando en otros centros de producción artística europeos. En este contexto, la monarquía pese a sus problemas financieros, se convierte en el principal promotor, seguida de los grandes prelados de la iglesia y del acaudalado patriciado urbano.

This paper intends to approach book illustration in the Crown of Aragon in the late 14 th and the early 15th centuries, in the years before the Compromise of Caspe. This period coincides stylistically with the reception and assimilation of the new International Gothic contributions, generated in Northern France courts and in the papal city of Avignon. The presence of artists with the level of Rafael Destorrents or Juan Melec, together with some anonymous ones, and including some foreign miniaturists, as well as some ambitious works such as the Breviary of King Martin, led to the illustration of a set of luxury manuscripts comparable, in terms of quality, to those being developed in the European production centres. In this context the monarchy, despite its financial problems, became the main promoter, followed by the great prelates of the church and the wealthy urban patriciate.

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HEREDIA MORENO, Carmen, "La platería en la Península Ibérica en tiempos del Compromiso de Caspe", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

En este artículo se analiza el desarrollo y el papel que la platería hispánica tuvo en el contexto del arte de 1375 a 1425 en los años previos y posteriores al Compromiso de Caspe (1412). Se subraya el protagonismo del pontífice Benedicto XIII, de los monarcas de Aragón, Navarra y Castilla y de los altos cargos eclesiásticos como patrocinadores de obras de plata. Se señala su contribución para enriquecer los tesoros de la monarquía y los tesoros y ajuares litúrgicos de la Iglesia. Se valora, sobre todo, la importancia de Aviñón y de los centros plateros de los territorios aragoneses sin olvidar las aportaciones más modestas de Navarra o de Castilla. Se intenta también determinar los usos y las funciones de la platería religiosa y profana en el seno de la Iglesia y en el entorno de la Corte.

In this article, we approach the evolution of Spanish silverware and its importance in the context of the art from 1375 to 1425, in the years before and after the Compromise of Caspe (1412). The prominent role of Pope Benedicto XIII, of the Kings of Aragon, Navarra and Castilla and of the high clergy as patrons of silverwork is emphasized. Their contribution is studied as a way that enriched the liturgical treasures of the Crown and of the Church. It is assessed, mainly, the importance of Avignon and the silversmithing centres of Aragonese territories, mentioning as well the contributions of Navarre or Castile. We’ll also try to establish the uses and functions of the religious and profane silverware in the Church and the surroundins of the Court.

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KNIGHTON, Tess, "Music and misogyny in the Crown of Aragon c. 1412", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Se sabe poco sobre las mujeres y la música en la Península Ibérica a principios del s. XV, aunque la documentación de archivo revela que las de alta cuna desempeñaron un activo papel en el mecenazgo musical en la Corona de Aragón en tiempos del Compromiso de Caspe. Una de ellas fue la duquesa francesa Violante de Bar, segunda mujer de Juan I, responsable en gran parte del establecimiento de la primacía cultural francesa en la corte aragonesa en las últimas décadas del XIV, así como de la difusión de las obras del poeta-compositor Guillaume de Machaut en la Península. La llegada de la dinastía Trastámara a la Corona aragonesa consolidó las redes musicales existentes a lo largo de las cuales músicos y repertorios (locales y extranjeros) fluyeron entre Castilla y Aragón. Las invectivas en contra de la mujer en tratados moralistas, como el Llibre de les dones de Francesc Eiximenis, vieron en la música (en especial en la chanson francesa) un ejemplo deplorable de la autoindulgencia y vanidad femeninas, al mismo nivel que los cosméticos, la ropa ostentosa y la joyería. Pero el gusto por la chanson, que se expandió de la corte al convento, aparece en comentarios alegóricos como Lo somni de Bernat Metge, revelador de una actitud más tolerante hacia el cultivo femenino de la música como pasatiempo. Estas fuentes literarias, analizadas con el debido cuidado, pueden arrojar algo de luz sobre los contextos de la participación femenina en la música, así como acerca de la evolución de su papel como mecenas y conocedoras de la música de su época.

Little is known about women and music in the Iberian Peninsula in the early fifteenth century, although archival documentation, such as pay records, and in some instances, correspondence, shows that women of high birth were actively involved in the patronage of musicians in the Crown of Aragon around the time of the Compromise of Caspe. One such woman was the French duchess Yolande of Bar, second wife of Joan I, who was largely responsible for establishing the primacy of French culture at the Aragonese court in the last decades of the fourteenth century, and, in particular, for the dissemination of the works of the poet-composer Guillaume de Machaut in the Iberian Peninsula. The arrival of the Trastámara dynasty in the Crown of Aragon served to consolidate established musical networks along which musicians and their repertories, both imported and local, flowed between Aragon and Castile. The strictures against women found in moralistic tracts such as Francesc Eiximenis’s Llibre de les dones (c.1396), viewed music —and specifically French song— as a deplorable aspect of feminine self-indulgence and vanity, in the same category as cosmetics, ostentatious clothing and jewellery. The vogue for French song that spread from court to convent is also reflected in allegorical commentaries such as Bernat Metge’s Lo somni (1399), where a more liberal attitude towards women who indulged in music as a pastime is presented. Such literary sources, if analysed with due care for their original function and purpose, can shed light on the performance contexts for women’s involvement with music and reflect trends in musical patronage and appreciation on their part.

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CABAÑERO SUBIZA, Bernabé, "Pautas que rigen las composiciones decorativas del palacio taifal de la alcazaba de Balaguer (Lleida)", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Este artículo analiza los principios básicos que rigen la decoración del palacete construido entre los años 1070 y 1080 a instancias del rey de la taifa de Lleida, Yusuf al-Muzaffar bi- L·lah (r. 1046-hacia 1080-1081), en el interior de la zuda (conocida en la actualidad como el Castell Formós) de Balaguer erigida hacia 897. Dichas pautas son fundamentalmente cinco: 1º. La importancia del lugar donde se levantan las distintas arquerías es indicada mediante la utilización de bandas lisas, bandas con perlas circulares perforadas y probablemente con astrágalos. 2º. En el testero noreste la rosca de los arcos se decoraba con hojas y el espacio de las albanegas con palmetas o con frutos, mientras que en el testero noroeste ocurría todo lo contrario. 3º. Las dos albanegas centrales de cada uno de los dos frentes de los pórticos de los dos testeros eran muy semejantes entre sí. 4º. Las representaciones de pájaros se encuentran exclusivamente en el interior del pórtico que precede a la sala ocupada por el rey, enfatizando el respeto que merece la estancia del solio real. Y 5º. En cada frente de los pórticos y en cada puerta se utilizó un tipo de motivo vegetal específico.

This article analyses the basic principles that govern the decoration of the small palace built between 1070 and 1080 at the request of the king of the taifa of Lleida, Yusuf al-Muzaffar bi-L·lah, (who reigned from 1046 to about 1080-1081) on the inside of the zuda (known today as the Castell Formós), of Balaguer, built in around 897. There are basically five principles: 1. The importance of the place where the different arches are raised is indicated with the use of plain bands, bands with circular perforated pearls and probably with rods. 2. At the north-eastern end, the border of the arches was decorated with leaves and the space of the spandrels with canes or with fruit, whilst on the north-western end the exact opposite occurred. 3. The two central spandrels of both portico fronts of the two ends were very similar to each other. 4. The bird illustrations are found exclusively on the inside of the portico that precedes the room occupied by the king, emphasising the respect that the royal throne room deserves. And 5. A type of specific plant motif was used on each portico front and on each door.

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CRIADO MAINAR, Jesús, "El retablo mayor del monasterio de La Oliva (1571-1587) y la renovación de la pintura zaragozana. Nuevas precisiones documentales", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

El retablo mayor del monasterio de Nuestra Señora de La Oliva (Navarra), realizado entre 1571 y 1587 por los pintores flamencos Paulo Scheppers y Rolan Moys, ilustra mejor que ninguna otra obra la profunda puesta al día que la pintura zaragozana experimentó por esos años en sintonía con los presupuestos de la Contrarreforma. La manera delgada —en palabras de Jusepe Martínez— de estos artistas, actualizada tras su paso por Italia con las últimas novedades de la pintura religiosa, dio lugar a unas creaciones de gran éxito que sus numerosos discípulos y seguidores difundirían por Aragón y su área de influencia hasta los años veinte del siglo XVII.

The altar of the monastery of Our Lady of La Oliva (Navarra), conducted between 1571 and 1587 by the Flemish painters Paulo Scheppers and Rolan Moys, illustrates better than any other work the deep updating the paint Zaragoza experienced in those years in line with the budgets of the Counter-Reformation. The manera delgada —in the words of Jusepe Martinez— of these artists, updated after his stint in Italy with the latest developments of religious painting, resulted in successful creations of his numerous disciples and followers of Aragon and disseminated area of influence to the twenties of the seventeenth century.

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TARIFA CASTILLA, María Josefa, "Juan Luis de Musante, maestro mayor de las obras de la ciudadela de Pamplona", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Juan Luis de Musante y Rubiano fue un arquitecto genovés que desempeñó el prestigioso cargo de maestro mayor de obras reales de Navarra bajo el reinado de Felipe II. Su principal cometido consistió en la dirección de las obras de la ciudadela de Pamplona desde aproximadamente 1575 hasta su fallecimiento en 1587, de acuerdo a las trazas y órdenes dadas por Jacobo Palear Fratín. El presente artículo aporta documentación inédita de su participación en la fortaleza pamplonesa, así como referencias a los informes y diseños elaborados por el ingeniero Fratín al respecto.

Juan Luis de Musante and Rubiano was a Genoese architect who held the prestigious position of royal master builder of Navarre under the reign of Philip II. Its main task was the management of the works of the citadel of Pamplona at about 1575 until his death in 1587, according to the drawings and orders given by Jacobo Palear Fratín. This article provides unpublished documents relating to his participation in the fortress of Pamplona, with references to the orders and designs given by the engineer Fratín.

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CARRETERO CALVO, Rebeca, "El gremio de albañiles y carpinteros de Tarazona durante la Edad Moderna", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

El presente artículo aborda el estudio del funcionamiento del gremio de albañiles y carpinteros de la ciudad de Tarazona que, además, daba cabida a los torneros y cuberos. Su cofradía, dedicada a San José e instalada en el claustro de la catedral, fue fundada en la década de 1590. Pese a que debían estar regidos por un reglamento interno, no fue hasta el año 1702 cuando decidieron redactar sus ordenanzas que se conservan en el Archivo Municipal de Tarazona. Éstas les gobernarían hasta comienzos del siglo XIX, momento en que los gremios desaparecieron por completo.

The present article approaches the study of the functioning of the union of bricklayers and carpenters of Tarazona that, in addition, it was giving content to the turners and coopers. His confraternity dedicated to St. Joseph and installed in the cathedral’s cloister, was founded in 1590s. In spite of that they must be governed by an internal regulation, it was not until the year 1702 when they decided to write his ordinances that remain in Tarazona’s Municipal Archive. These would govern them until beginning of the 19th century, moment in which the unions disappeared completely.

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PAGE, Carlos A., "La cubierta y pinturas de la iglesia de la Compañía de Jesús en la ciudad de Córdoba (Argentina)", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

El presente trabajo propone analizar y redescubrir el sistema constructivo y la ornamentación de la iglesia ubicada en la sede de la antigua provincia jesuítica del Paraguay. Templo comenzado a levantar en las cercanías de 1650 y que hoy se conserva como Patrimonio de la Humanidad. La construcción de la cubierta siguió el tratado de Philibert Delorme y luego fue profusamente pintado en su interior con diversos motivos. Desde composiciones vegetales, pasando por los retratos de los apóstoles y una serie de ángeles músicos en ascensión hacia la representación de la Coronación de la Virgen de la cúpula. La tarea se realizó posiblemente entre fines del siglo XVII y principios del XVIII. La iglesia no sólo fue un modelo arquitectónico que se aplicó en otros colegios de la región, sino que también sus pinturas constituyen un importante aporte al arte de la provincia jesuítica del Paraguay. Gran parte de estas obras sufrieron daños irreparables y fueron perdidas definitivamente, otras fueron intervenidas de manera inadecuada. Y finalmente se conservan unas pocas, ocultas bajo el manto de hollín que paradójicamente también las protege.

This paper seeks to analyze and rediscover the paintings of the church in the former headquarters of the Jesuit province of Paraguay. Temple started building in the vicinity of 1650 and is now preserved as a World Heritage Site. The housing construction followed the Treaty of Philibert Delorme and then was thoroughly painted inside with a variety of reasons. Since plant compositions, through the portraits of the apostles and a series of musical angels in ascent to the representation of the Coronation of the Virgin of the dome. The task is made possible between the late seventeenth and early eighteent centuries. The church was not only an architectural model that was applied to other schools in the region, but his paintings are an important contribution to the art of the Jesuit province of Paraguay. Much of theses works were damaged beyond repair by fire in the 1960’s and were definitely lost, others were aperated improperly. And finally a few are kept hidden under the blanket of soot, which paradoxically also protects them.

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ABAD-ZARDOYA, Carmen, "Arquitectos en los fogones: del theatrum machinarum a los proyectos ilustrados para una cocina económica",en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

El primer diseño de cocina económica realizado en España a imitación de los experimentos del conde Von Rumford por el arquitecto Julián Antonio Rodríguez y el grabador Manuel Navarro se analiza en el marco tanto del discurso teórico sobre la innovación de las infraestructuras culinarias de los Teatros de Máquinas y la tratadística arquitectónica del XVIII, como de los ensayos de disciplina social ilustrada impulsados por distintas instituciones asistenciales. El proyecto de Rodríguez aparece como parte de las campañas de política social emprendidas por las Sociedades Patrióticas y amplificadas por la prensa ilustrada. Por último, se intentan desvelar las claves individuales de la gestación de este proyecto a la luz del inventario de la biblioteca del arquitecto y de su actividad como traductor.

The first Spanish design in the manner of Rumford’s experiments of a range was made by the architect Julián Antonio Rodríguez and the engraver Manuel Navarro. It is analyzed in the frame of the discourse on culinary infrastructural innovations found in the 17th century Theatrum Machinorum and in architectural treatises of the 18th century, on one hand, and of the essays of social Enlightened discipline sustained by charitable institutions, on the other hand. Rodríguez’s project appears as a part of the social politic campaign promoted by Patriotic Societies and enhanced by the Enlightened press. Finally, the individual key of this project is suggested by the architect’s library inventory and his activities as translator.

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MARTÍNEZ ALCÁZAR, Elena, "Para mayor aumento de su culto divino: donaciones testamentarias para mantenimiento y esplendor de las iglesias en el entorno murciano (1759-1808)", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Se pretende analizar el tipo de donaciones que se hicieron al clero en Murcia y Cartagena a través de varios testamentos otorgados durante los reinados de Carlos III y Carlos IV. Independientemente de la condición social de los otorgantes, se han examinado, por un lado, las limosnas económicas con las que se contribuía al mantenimiento de los templos y de su patrimonio artístico y, por otro lado, los legados de bienes para las imágenes sacras de las iglesias, fundamentalmente los que formaban parte del adecentamiento personal, es decir, prendas y joyas.

It is intended to analyze the kind of donations made to the clergy in Murcia and Cartagena, through several testaments made during the reigns of Carlos III and Carlos IV. Regardless of the status of the grantors, it has been examined, on one hand, the economic handouts with those contributing to the maintenance of temples and their artistic heritage and, on the other hand, the legacies of goods for the sacred images of churches, mostly those who were part of the personal cleaning up, that is, garments and jewelry.

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FERNÁNDEZ MARTÍN, Mª Mercedes, "Mobiliario religioso y profano en el convento de San Agustín de Manila. Un ejemplo de asimilación y sincretismo", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Los acontecimientos históricos que vivió Filipinas a partir de su independencia de la corona española ha propiciado que sean muy pocos los testimonios que quedan de la etapa hispana. Por otra parte la condición de encrucijada de las islas ha favorecido en el archipiélago la presencia de gustos, estéticas y obras de dispar procedencia. En el convento de San Agustín de Manila y procedentes de diferentes edificios religiosos se han reunido un conjunto de piezas de mobiliario que ponen en evidencia la diversidad de fuentes y las peculiaridades del arte existente en Filipinas.

The historical events that lived The Philippines Islands from its independence from the Spanish crown has meant that are very few testimonies that are left by stay of the Hispanic stage. On the other hand the status as a crossroads of the islands has favored in the archipelago the presence of taste, aesthetic, and works of disparate sources. In the convent of San Agustin in Manila and from different religious buildings have been gathered a set of pieces of furniture, which highlight the diversity of sources and the peculiarities of the art existing in Philippine.

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PERIS MEDINA, Mercedes C., LLORET FERRÁNDIZ, Carmen y PERIS MEDINA, Rosa G., "El uso de información visual en el dibujo de imaginación",en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Entre los siglos XV y XVIII, contemporáneamente al estudio sistemático de la naturaleza y al interés por el dibujo con modelo del natural, tiene lugar una intensa búsqueda plástica de la movilidad de la figura humana ingrávida, cuyo movimiento no pertenece a la realidad visible. Ante la abundancia de figuras de este tipo y la diversidad de soluciones plásticas, nos preguntamos acerca del hecho artístico que permite su expresión móvil. Para ello analizamos las diferencias entre el movimiento ligado a la gravedad y el movimiento inventado de los personajes flotantes; y estudiamos el uso de información visual y la imaginación en el proceso de expresión plástica del movimiento, buscando los referentes que nutren la experiencia visual del creador y su transformación por medio de la imaginación creadora.

From the 15th to the 18th century, contemporarily to the systematic study of the Nature and the concern towards drawing with a natural model, an intense plastic search for the dynamism of the weightless human figure took place. Due to the abundance of this kind of figures and the diversity of their plastic solutions, we wonder about the artistic fact which makes their dynamic expression possible. Because of that, we analyse the differences between the movement jointed to the gravity and the invented movement of the floating characters; and we approach the use of visual information and the imagination in the plastic expression process of movement, searching for the references which feed the creator’s visual experience and its transformation by the creative imagination.

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AZANZA LÓPEZ, José Javier, "Reflexiones en torno al uso y función del arte efímero: las visitas reales a Pamplona en el tránsito del siglo XIX al XX", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Este trabajo aborda el arte efímero generado por las visitas reales a Pamplona en la segunda mitad del siglo XIX y primeras décadas del XX, contextualizándolo en las coordenadas espaciotemporales en las que surge y a las que en absoluto resulta ajeno. Tras señalar las pautas generales a las que se acomoda el arte efímero pamplonés, se analizan aquellos ejemplos que nos permiten profundizar en su uso y función y extraer conclusiones válidas a distintos niveles, desde el meramente ornamental, hasta el simbólico e ideológico. A todo ello se sumarán cuestiones de naturaleza tipológica e iconográfica, así como aquellas relacionadas con el alquiler, venta y reutilización del arte efímero; y también tendrán cabida en nuestro estudio las voces críticas que, al despuntar el siglo XX, se alzaron en contra de la construcción de aparatos, cuestionando su validez estética y como ornato urbano. Con ello pretendemos contribuir al mejor conocimiento de esta manifestación artística que atravesó un nuevo período de esplendor en la España de la transición de los siglos XIX al XX.

This paper analyzes the ephemeral art created on the occasion of royal visits to Pamplona in the second half of the 19th and early decades of the 20th century, contextualizing in the space-time coordinates in which it arises and that is foreign at all. Noting the general guidelines that will accommodate the ephemeral art in Pamplona, we look at those examples that allow us to deepen their use and function, and draw valid conclusions at different leves, from the purely ornamental, to the symbolic and ideological. To this is added typological and iconographic issues, as well as those related to the rental, sale and reuse of ephemeral art; and are also present in our study the critical voices that, at the beginning of the 20th century, rose against the construction of these temporary architectures, questioning their aesthetic qualilities for urban decoration. Our aim is to contribuye to better understanding of this artistic expresión that went through a period of extraordinary splendor in Spain in the transition from the 19th to the 20th century.

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VÁZQUEZ ASTORGA, Mónica y YESTE NAVARRO, Isabel, "El Gobierno Civil de Zaragoza y su sede institucional", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Con este trabajo se pretenden concretar los distintos emplazamientos que ha tenido el Gobierno Civil de Zaragoza en esta ciudad desde la creación de esa institución a comienzos del siglo XIX. De hecho, su sede estuvo instalada en inmuebles destinados a otras funciones o en edificios ya existentes, no contando con un edificio propio hasta el año 1958, en la plaza de Nuestra Señora del Pilar. Su emplazamiento ha estado vinculado a lo largo de ese período al desplazamiento de los centros de poder y a su manifestación urbana.

Ce travail vise à préciser les différents lieus le gouvernement Civil de Zaragoza ont eu dans cette ville, depuis la création de cette institution au début du XIXe siècle. En fait, son siège social a été installé dans les bâtiments destinés à d’autres fonctions ou dans les inmeubles existants, sans compter avec un édifice de sa propre jusqu’en 1958, à la plaza de Nuestra Señora del Pilar. Son emplacement a été lié tout au long de cette période au déplacement des centres de pouvoir et de de sa manifestation en milieu urbain.

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BENÉITEZ ANDRÉS, Rosa, "La experiencia estética de Isidoro Valcárcel Medina: discurso vital y producción artística en el último cuarto del siglo XX", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

La estrecha vinculación existente entre la actividad artística de Isidoro Valcárcel Medina y el ámbito de la praxis vital exige un acercamiento a su trabajo que reformule algunos de los conceptos y perspectivas adoptados, hasta el momento, en relación al binomio arte-vida. Partiendo de la obra del autor como de algunos de los textos dedicados a la producción del mismo, en este artículo se trata de reconfigurar el complejo y singular entramado que Valcárcel Medina elabora a propósito de las posibles interacciones entre experiencia y creación.

The close links between the work of Isidoro Valcárcel Medina and the matter of the praxis of life needs a kind of approach that restates some of the previously adopted concepts and perspectives in relation to the topic of life-art connection. Departing from his work, as much as from some texts whose topic is those very productions, the aim of this paper is to throw some light on the complex and singular framework which Valcárcel Medina produces onto the possible interactions between experience and creation.

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TEJEDA MARTÍN, Isabel y HINOJOSA MARTÍNEZ, Lola, "Críticas al margen o al margen de la crítica. La obra de Paz Muro durante los años 60 y 70", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

El presente artículo analiza la obra de la artista española Paz Muro. Inclasificable y casi desconocido, su trabajo comienza en la década de los años 60 llegando hasta la actualidad. Relacionada con el arte conceptual, Paz Muro se sirvió fundamentalmente de la performance, tanto en contextos naturales como sociales, al revelarse como un medio idóneo de intervención contrainstitucional ajeno a los ámbitos típicamente artísticos.

This paper analyzes the work of the Spanish artist Paz Muro. Her unclassifiable and almost unknown work goes throughout the 60s and 70s up to the final 80s. She was related with Conceptual art. However she mainly used Performance art in social and natural contexts, being the most pertinent way of counter-institutional intervention, detached from the dominant artistic spaces.

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ALMAZÁN TOMÁS, V. David, "El grabado japonés Ukiyo-e de era Meiji (1868-1912) en la Colección de Arte Oriental de Federico Torralba del Museo de Zaragoza", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

En el Museo de Zaragoza (España) se conserva la Colección de Arte Oriental de Federico Torralba, en la cual hay grabados japoneses Ukiyo-e. En la conmemoración del centenario del final de la era Meiji (1868-1912) presentamos un estudio de la parte de grabados japoneses de este importante periodo histórico. Esta parte de la colección, ha quedado en un segundo plano en la valoración de los fondos de la Colección de Arte Oriental Federico Torralba, frente al grabado japonés de época anterior. Esto es consecuencia decierta tendencia historiográfica, ya superada, que minusvaloraba el arte de la era Meiji. Los principales artistas del grabado de era Meiji en la colección son Kyoˉsai, Kunichika, Chikanobu, Chikashige, Kunisada III, Yoshitora, Yoshitoshi, Gekkoˉ, Shuntei y Shoˉun.

The Museum of Zaragoza (Spain) displays the Collection of Oriental Art Federico Torralba, with Japanese ‘Ukiyo-e’ woodblock prints. In commemoration of the centenary of the end of the Meiji era (1868-1912) we present a study of Japanese prints from this important historical period. This part of the Torralba Collection has received less recognition than Edo period woodblock prints, because of the tendency to underestimate the art of the Meiji era. The main Meiji artists in the collection are Kyoˉsai, Kunichika, Chikanobu, Chikashige, Kunisada III, Yoshitora, Yoshitoshi, Gekkoˉ, Shuntei and Shoˉun.

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BERROCAL, Joseba, "Consideraciones sobre el papel del oboe en las Reglas y Advertencias Generales de Pablo Minguet y Irol (1752-1774)", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Durante más de treinta años, 1738-1770, Europa no conoció ningún tratado original destinado al oboe a excepción del volumen debido a la iniciativa editorial de Pablo Minguet y Irol: Reglas y Advertencias generales (Madrid, 1754). El contenido de este método se ve reducido únicamente a una tabla que recoge la digitación del instrumento. La particularidad fundamental de dicha tabla viene dada por el hecho de incluir una nota, el mib’’’ , hasta entonces no recogida en tratado alguno. Minguet reconoce en su Explicación de la obra que ha contado con la colaboración de algunos inteligentes. Tras un examen de los ejemplares conservados
en la Biblioteca Nacional de España correspondientes a las dos ediciones que conoció la obra (1754 y 1774) y otras producciones del mismo editor, se puede llegar a la conclusión de que la tabla fue grabada por Minguet en torno a 1754 pero que, por alguna razón, probablemente de índole comercial, no fue presentada al público hasta la reedición de 1774.

For more than thirty years, 1738-1770, Europe did not see any other new treatise for oboe but Pablo Minguet y Irol’s volume: Reglas y Advertencias generales (Madrid, 1754). Actually, the oboe chapter is no more than a fingering chart for the instrument. The most relevant feature of that chart is that it contains the note, E flat’’’, never before included in any treatise. Minguet admits in his preface, Explicación de la obra, that he had been assisted by some experts, inteligentes. Once examined the copies of both editions of the work (1754 and 1774) preserved at the Biblioteca Nacional de España —and other titles by this publisher—, it would be possible to state that the fingering chart was engraved by Minguet around 1754 but, for any reason, probably related to the Spanish musical market, was not offered to buyers until the 1774 reissue.

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CÁCERES-PIÑUEL, María, "José Subirá y la recuperación de la tonadilla escénica (1928-1932)", en Artigrama, nº 26, Departamento de Historia del Arte, Universidad de Zaragoza, 2012

Entre los años 1928 y 1932 José Subirá (1882-1980) publicó los cuatro volúmenes de su obra monumental La Tonadilla Escénica. Esta monografía le consagró en el ámbito de la musicología internacional aunque no consiguió ser un profesional remunerado hasta años más tarde. La polémica que mantuvieron Adolfo Salazar y Subirá en relación a esta obra representó la plasmación de dos perspectivas, con sus respectivos referentes internacionales, en torno a la interpretación histórica y las funciones contemporáneas de la musicología. A través de su investigación sobre géneros populares, Subirá pretendió dignificar la música perteneciente a los bajos estratos sociales tanto en el pasado como en la actualidad, así como, defender la inclusión de todos los tipos de música en el relato histórico de una época. Consideraba que las funciones de la musicología eran tanto académicas como divulgativas y que esta disciplina tenía un importante papel en la construcción nacional. En este artículo se estudia las connotaciones ideológicas de la recuperación e interpretación de música popular del siglo XVIII en el caldeado ambiente político de los años treinta en España.

José Subirá (1882-1980) a publié les quatre volumes de son oeuvre monumentale La Tonadilla Escénica entre 1928 et 1932. Avec cette monographie lui a été établi dans la musicologie internationale malgré il n’a arrivé pas à être un professionnel rémunéré que des années plus tard. La controverse entre Adolfo Salazar et Subira autour ce travail elle a été la représentation de deux points de vue autour l’interprétation historique et les rôles de la musicologie contemporaine. Avec ses recherches sur genres populaires, Subira a voulu dignifier la musique appartenant à des basses couches sociales ainsi dans le passé comme dans leur présent. Il a défendu l’inclusion de tous les types de musique dans le récit historique d’une époque. Pour lui, la musicologie non seulement avait des fonctions académiques et savants, mais aussi un rôle important dans la construction de la nation. Cet article examine les connotations idéologiques de la récupération et interprétation de musique populaire du XVIIIe siècle dans les années trente en Espagne.

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